1956年，在美国达特矛斯会议上正式出现“人工智能”（AI）一词。人工智能之父麦卡锡认为，人工智能与哲学的关系相较于科学与哲学的关系要更密切，因为它需要认识论的深度介入。
从对“智能”的定义来看，AI必然与美学相联系。它不仅要模拟人类的抽象推理和逻辑能力，还要模拟情感、想象、感性、创造等与形象、灵感有关的能力。能够理解和创造艺术的人工智能，代表技术与机器的重大突破。
事实上，在ChatGPT横空出世之前不久，AI绘画已引人关注。
2018年，在佳士得拍卖会上，《埃德蒙·贝拉米的肖像》以43.25万美元成交。它是人工智能学习了1.5万张从14世纪到20世纪的肖像画之后自动生成的作品。
2022年，在美国新兴数字艺术家竞赛中获得“数字艺术”类别一等奖的《太空歌剧院》，更让AI绘画异军突起。这幅画由一位游戏设计师使用AI创作工具，花费近一个月的时间不断修改指令而完成。
竞赛评委认为，评奖准则是要找出“懂得讲述故事以及有灵魂的作品”，而“这幅作品确实做到了”。一时间，“艺术已经死了，人工智能赢了，人类输了”的言论，把AI绘画推上了风口浪尖。
这里的问题是，机器创造的东西能被视为艺术吗？延伸而论，被康德视为人类独有的审美判断力，是否已为人工智能所掌握？人工智能能否像人类一样判断物体的美丑程度，并具备独特的艺术创造力？
一般认为，创造和享受艺术是区别人类与其他生物的重要标志之一。基于当下的限定条件，通过算法进行模仿是AI绘画的核心。这些完成品的构图、配色和细节可能极其精致，并在审美上与人类的经验、知识高度一致。但从整个创作过程来看，其根本来源并不能体现人类在艺术创作里的情感追求，与传统艺术创作理念也大相径庭。
AI绘画的出现和普及，让普通人拥有了通过指令而生成美妙画作的能力，“使不可见成为可见”。但不少批评者认为，AI绘画作品只是一种机械式的复制组合，本质是模仿，而不具有创造性和想象力，更缺乏灵感和个性。真正的艺术作品，背后是艺术家独特情感、生命体验乃至内在思想世界的表达。
由此，欧美学者进一步提出人工智能必须具备以下几个特征才能成为“艺术家”：
一是学习能力，即系统能够根据新刺激来提高技能并调整艺术表现力；
二是拥有具有个性的美学标准，能够评估自己的艺术创作；
三是创造力，不应对现有艺术品进行小的改动，而应创造一些全新的东西；
四是公平性，系统不应受人类意志的影响，而应该与人类或人工代理在同等水平上相互作用；
五是社交性，将艺术生产作为灵感来源和背景。
由此观之，眼下的AI绘画主要学习人类在对称、色彩、形状等方面的偏好，根据预设的规则和参数生成作品。对它来说，美只是规则归纳的数学模型、计算结果。
正如ChatGPT的自白所言：“作为一个AI，我只是一种程序，无法像人类那样体验审美，也没有真正的审美能力。然而，我可以处理和生成各种形式的文本、图像和音频，这可能会在一定程度上受到设计和算法的美学影响。但是，这种影响仅仅是基于预设的规则和规范，缺乏像人类那样独立创造和体验美的能力。”
1839年，照相机的问世给手工绘画带来了巨大冲击，艺术作品定义的界限也一度引发争议。法国艺术家德拉洛奇亦曾高呼：“绘画已死！”但如今，摄影作品是艺术品的观念已深入人心。AI绘画的前景如何，让我们拭目以待。
正如马克思在讨论人和科技的关系时把“现实的人”作为逻辑起点那样，人工智能展示了人类的本质力量，为人从“单向度”里解放提供了可能性。归根结底，技术改进的基本出发点和应用重点理应是以民为本，帮助人类创造更美好的生活。
（作者为上海社会科学院哲学所研究员）